Hopper Mode è un interno guardato dall’esterno e un esterno guardato dall’interno. È un lavoro complesso dove s’intrecciano diversi dispositivi: quello testuale, quello ambientale, la scena e i costumi, quello dei corpi che abitano l’ambiente ovvero lo spazio del teatro tutto, chi vivendolo, chi guardandolo seduto in platea. Poi c’è Hopper, non ultimo ovviamente rispetto a questo lavoro.

Sulla scena non c’è nessun tentativo di riproduzione dei quadri dell’artista americano. C’è, tuttavia, una ricerca, una eco che vuole rendere viva la luce. Quella luce che Hopper stesso ha reso protagonista in molti suoi quadri.

Sia nel nostro lavoro che nei quadri si parla di un americanità degli anni 60, dove non ci sono eroi e tantomeno eroine, tutto incentrato su una comunità che vive in una periferia ideale vissuta da gente vera. Se nei quadri di H. la presenza umana è accessoria, nello spettacolo i personaggi combattono per uscire dal quadro scenico.

È molto strano lavorare sul realismo senza occuparsi realtà come faceva H. È molto strano dar voce a dei personaggi di H. quando tutti i suoi dipinti sono narrazioni interrotte.

Presenza e assenza sono lo stesso unico mistero, attraverso cui fiorisce il colore, in cui la forma respira — scrive Yves Bonnefoy su “Edward Hopper. La Fotosintesi dell’Essere”.

Il segno fine a se stesso, che in scena si sviluppa su una terra che si sta disfacendo è l’esplorazione che parte da Hopper Mode.

— Antonio Sinisi